Rezultatele sunt la zona de interferenta dintre design si sculptura si tot asa au fost aduse in fata oamenilor: printr-o prezentare de aproape, ca o vizita la muzeu, si printr-un performance inedit, devenit deja o emblema a designerului, de aceasta data, cu Dita Von Teese in rol principal.

Nu am facut intamplator asemanarea cu vizita la muzeu, deoarece, pe langa noutatile impresionante, am avut ocazia de a vedea in detaliu si pantofi realizati de Louboutin chiar si cu 40 de ani in urma.

Pantofii, intre spectacol si functionalitate

Am descoperit colectia prin intermediul unor piese spectaculoase, pe care le pot numi, fara exagerare, sculpturi purtabile, ce au fost expuse impreuna. Modelul roz este singura exceptie. A fost creat doar ca piesa de colectie, fapt ce subliniaza, inca o data, legatura stransa dintre moda si arta.

Mai departe, designul pantofilor cu talpa rosie a ilustrat o abordare echilibrata intre estetica si functionalitate, cu rezultate care raman, in continuare, impresionante. Acoperiti complet in scoici si cristale, pantofii decupati in fata mi s-au parut, pur si simplu, perfecti. M-a impresionat si eleganta detaliului dintr-o scoica cu perla care decoreaza o pereche de pantofi negri si o geanta asortata.

Si cum prezentul se construieste mereu peste baza experientelor deja traite, ultima incapere a fost dedicata unor pantofi creati de Louboutin in trecut, cu aceeasi sursa de inspiratie in gand, marea. Cel mai vechi model, Alu Saumon, a fost realizat in 1986, iar preferatul meu, Carre Plexi, cu o scoica prinsa in tocul transparent, a facut parte din colectia pentru primavara-vara 1995.

Pantofii cu platforma si peep toe revin in tendinte

Experienta mi-a oferit si cateva insighturi despre directia spre care ne poarta trendurile. Dupa o perioada a pantofilor delicati, cu tocuri mici si confortabile, se pare ca am ajuns la o noua intersectie si suntem pregatite pentru o estetica diferita. Platformele si modelele peep toe ne vor influenta alegerile in viitorul nu foarte indepartat. Dar asta nu se va intampla deodata, ci pas cu pas.

The post Pantofii Christian Louboutin si marea ca inspiratie din 1986 pana la colectia primavara-vara 2027 appeared first on Petocuri.

Dezvoltata in jurul temei FULL SPECTRUM, editia de anul acesta exploreaza ceea ce exista intre extreme, intre real si virtual, intre lumina si intuneric, sunet si imagine, corp si spatiu. Ea reuneste lucrari semnate de artisti si studiouri din Japonia, Franta, Germania, Austria, Argentina, Republica Moldova si Romania. Prin intermediul luminii, al laserului, sunetului, miscarii si al inteligentei artificiale, instalatiile expuse construiesc impreuna o atmosfera cu totul captivanta. Din acest motiv, la vernisajul de aseara, am asociat propria experienta cu trecerea lui Alice, din lumea ei obisnuita, in Tara Minunilor.

Eco, de Camilo Parisi / Sursa foto: RADAR

Hydroscope, de Alexis Choplain / Sursa foto: RADAR

Instalatii aflate in top of mind

Instalatia prezentata chiar pe culoarul de la intrare ramane printre preferatele mele de la aceasta editie. Este vorba despre Cloud Memory, gandita de Guillaume Marmin ca o metafora a lumii interconectate in care traim.

We.Were.Here., semnata de Ovvo Studio, m-a surprins cu contrastul dintre intensitatea luminii, insotite de sunet, si calmul intunericului. Cred ca faptul ca am prins cateva momente in care am fost singura in incapere a crescut intensitatea cu care am trait experienta imersiva.

Deviation, instalatia lui Sven Sauer, cu un mecanism ca un trenulet care se plimba pe un circuit inconjurat de bucati de sticla sparta, raspandind lumina colorata in jur, este si ea pe lista scurta a preferatelor. Despre artist, am citit ca exploreaza speranta ca pe ceva real, ce poate fi analizat in date, prognoze ecologice, in tensiunile dintre oameni, precum si in rezilienta lor. Speranta e lucrul pe care sunt mereu atenta sa nu-l pierd. Si pentru mine, ea e ceva real, aproape palpabil, pana la urma.

Cloud Memory, de Guillaume Marmin / Eco, de Camilo Parisi / We.Were.Here., de Ovvo Studio // Imagini de la vernisaj, sursa : arhiva personala

Array, de Steven Mark Kubler, Deviation, de Sven Sauer / Beyond Screens There Is Wonder, de Adistu // Imagini de la vernisaj, sursa : arhiva personala

Reflexiv, de Rizi Studio / Ouroboros, de Alex Viju / Hydroscope, de Alexis Choplain // Imagini de la vernisaj, Sursa: arhiva personala

Mi-a placut si instalatia interactiva Eco, semnata de Camilo Parisi, prin intermediul careia vizitatorii devin dirijorii si, totodata, compozitorii unei muzicii care umple spatiul de lumina si culoare.

Adaug si lucrarile Beyond Screens There Is Wonder, de Adistu, si Ouroboros, de Alex Viju, care exploreaza complexitatea naturii prin imagini la limita dintre real si ireal. Si as incheia topul meu personal, prezentat intr-o ordine aleatorie, cu instalatia Hydroscope, prin care Alexis Choplain aduce impreuna doua elemente neasteptate, apa si electricitatea.

Cateva informatii despre program, potrivit RADAR:

Muzica & instalatia SONOLUME

SONOLUME, de Loomaland, este o instalatie interactiva care transforma muzica in culoare, vibratie si lumina. Notele cantate la un keyboard electronic activeaza cele 12 panouri ale lucrarii si, astfel, sunetul devine vizibil. Accesul la SONOLUME este permis persoanelor cu varsta de peste 18 ani.

Pe durata festivalului, muzicianul Sasha Zamfira sustine o serie de performance-uri de aproximativ 10 minute, prin care activeaza instalatia in timp real, iar muzica se transforma in lumina, culoare si vibratie. Intre aceste momente, keyboardul ramane la dispozitia publicului.

Performance-urile sustinute de Sasha Zamfira au loc o data pe ora, dupa urmatorul program:

Ieri, Joi, 24 septembrie: in intervalul 20:00-21:00
Vineri, 25 septembrie: intre 18:00-22:00
Sambata, 26 septembrie: intre 12:00-14:30 si 17:00-22:00
Duminica, 27 septembrie: intre 12:00-14:30 si 17:00-22:00

Dans contemporan printre instalatiile RADAR

In fiecare zi, intre 16:00 si 19:00, spatiul expozitional devine scena pentru dans contemporan, sustinut de NON Centru de Arte Performative din Cluj-Napoca. Performace-ul realizat de Roxana Florescu, Dominik Iabloncic, Grigore Avram, Diana Maioru si Carina Sandor este in stransa legatura cu patru dintre instalatiile expuse: Cloud Memory, INTANGIBLE #FORM, We. Were. Here. si SONOLUME.

FULL SPECTRUM, un performance inspirat de arhitectura Hanului Gabroveni

In seara deschiderii, dar si pe 25 septembrie, de la ora 20:00, performace-ul FULL SPECTRUM exploreaza legatura dintre arta si arhitectura Hanului Gabroveni. Momentul artistic prezinta proiectii pe fatada cladirii, dans si muzica originala, cu performerii aflati la balcon. Fatada cladirii devine, astfel, o scena neconventionala.

FULL SPECTRUM este regizat de Bobi Pricop, cu coregrafia semnata de Filip Stoica, muzica originala de Alexei Turcan si content video realizat de MINA Studios. Performeri: Maria-Luiza Dimulescu, Roxana Popa si Razvan Rotaru.

DJ SET-uri

De la ora 19:00, au loc DJ set-uri cu un line-up diferit:

Ieri, 24 septembrie – Mihnea Ghiza
25 septembrie – SweetCase
26 septembrie – .C.C
27 septembrie – CEASE

RADAR KIDS

In paralel, intre 25 si 27 septembrie, intre 10:00 si 20:00, RADAR KIDS prezinta peste 14 instalatii interactive, jocuri si ateliere de robotica pentru copii.

Bilete si accesibilitate

Festivalul are loc la ARCUB – Hanul Gabroveni, Str. Lipscani 84-90, Bucuresti. Biletele sunt disponibile pe tickets.radarnewmedia.art, iar informatiile despre festival si programul complet, pe radarnewmedia.art. La fata locului, biletele pot fi achizitionate si cu Cardul Cultural UP Romania.

Prin parteneriatul cu Blue, participantii beneficiaza de 50% reducere la calatorie, in limita a 20 de lei/cursa.

ARCUB – Hanul Gabroveni este majoritar accesibilizat si dispune de lifturi. La intrarea in cladire, exista o treapta, iar, pe durata festivalului, membrii echipei RADAR vor oferi sprijin persoanelor care au nevoie de asistenta pentru acces.

Sursa info: RADAR / In imaginea din deschidere este prezentata instalatia Cloud Memory, de Guillaume Marmin.

The post RADAR 2026: Full Spectrum. Locul in care artele vizuale, muzica, dansul si tehnologia se intalnesc. appeared first on Petocuri.

Karl Lagerfeld a contribuit la redefinirea modului in care poate fi conceputa o prezentare de moda si a transformat scenografia intr-o parte esentiala a creatiei sale. La Chanel, imaginatia sa a construit lumi intregi in jurul hainelor, iar Virginie Viard si, apoi, Matthieu Blazy, cei care l-au urmat la conducerea casei de moda, au dus mai departe traditia prezentarilor spectaculoase pana azi.

Desigur, nu putem uita de locatie. Cand spui Chanel, spui Grand Palais. Monumentul parizian cu celebra sa cupola de sticla a devenit una dintre cele mai importante scene. Din 2005, cand Chanel a prezentat aici pentru prima oara, locul a gazduit unele dintre cele mai spectaculoase scenografii.

Fiecare decor este construit ca o experienta vizuala, iar multe dintre universurile create pentru aceste prezentari pornesc de la elemente din viata si mostenirea lui Gabrielle Chanel. De la locurile care au inspirat-o pana la pasiunile si simbolurile care au definit casa de moda, fiecare detaliu poate deveni parte din scenografie. Este, in esenta, arta pura: podiumul se transforma intr-o scena, iar colectia, intr-o poveste. Chanel s-a remarcat constant pe retelele sociale prin decorurile spectaculoase devenite uneori la fel de memorabile si de discutate precum colectiile in sine.

Chanel Shopping Center

Karl Lagerfeld alaturi de topmodelul Cara Delevingne // Sursa foto: Hepta.ro

Karl Lagerfeld a demonstrat ca, la Chanel, inspiratia pentru un fashion show poate veni chiar si din cele mai obisnuite lucruri. Pentru colectia ready-to-wear toamna-iarna 2014, el a transformat Grand Palais din Paris intr-un supermarket urias, concept care a dat nastere unuia dintre cele mai memorabile decoruri din istoria Chanel.

Ideea a fost simpla si ingenioasa: podiumul a fost transformat intr-un supermarket, locul in care  ne facem cumparaturile de zi cu zi. Rafturile au fost umplute cu peste 100.000 de produse create special pentru show, iar fiecare a reinterpretat cu umor universul Chanel. Printre ele se gaseau masline “Les Olives de Coco”, detergent “Chic Blast” si apa plata “Eau de Chanel No. 5”.

Sursa foto: Hepta.ro

Astfel, si cele mai obisnuite obiecte au devenit referinte ale casei de moda. Decorul a transformat o sesiune de shopping intr-un joc vizual inteligent, iar modelele s-au plimbat printre raioane ca intr-o scena obisnuita de cumparaturi. Doar ca, de data aceasta, supermarketul era Chanel.

Chanel Airlines

Sursa foto: Hepta.ro

Mai tarziu, pentru colectia ready-to-wear primavara-vara 2016, Chanel a parasit supermarketul si a transformat Grand Palais intr-un alt spatiu familiar, de data aceasta, unul dedicat calatoriilor. Intitulat Chanel Airlines, show-ul a construit un terminal modern, impecabil pana la cele mai mici detalii, unde moda si lumea calatoriilor s-au intalnit intr-un decor surprinzator de realist. “Terminalul 2C, Poarta No. 5”  a facut trimitere atat la identitatea brandului, cat si la celebrul parfum al casei de moda.

In centrul spatiului se intindea un sir de ghisee unde angajati Chanel, imbracati in uniforme de personal de la sol, verificau biletele si actele invitatilor. Un ecran electronic urias afisa zboruri catre orasele in care Chanel si-a prezentat colectiile in anii anteriori, iar scaunele metalice lucioase imitau perfect zonele de imbarcare. Pana si invitatia a devenit parte din concept: biletul de acces la show a semanat cu un bilet de avion.

Chanel Ground Control

Sursa foto: Hepta.ro

Daca supermarketul si aeroportul au transformat cotidianul in spectacol, pentru colectia ready-to-wear toamna-iarna 2017, Chanel avea sa duca aceasta imaginatie mult mai departe… pana in spatiu. In mijlocul palatului a fost ridicata o racheta alba, de 35 de metri, inscriptionata cu numele CHANEL si numarul emblematic No. 5, care aproape atingea cupola de sticla a palatului. Intregul podium a fost transformat intr-o baza de lansare minimalista, cu suprafete argintii si accente inspirate din lumea explorarii spatiale.

Finalul a fost pe masura decorului: Karl Lagerfeld a apasat simbolic butonul de pornire, a inceput numaratoarea inversa de la 10, iar racheta s-a ridicat mecanic cativa metri deasupra podiumului, spre uimirea publicului. Sclipiciul, texturile metalice si reflexele argintii din colectie au completat atmosfera intergalactica. Racheta Chanel care “ a decolat” sub cupola Grand Palais a ramas unul dintre acele momente in care moda a depasit granitele podiumului si s-a transformat in teatru pur.

Chanel by the Sea

Sursa foto: Hepta.ro

Dupa ce a ajuns pana la stele, Chanel s-a intors pe pamant pentru un decor complet diferit: o plaja construita chiar in inima Parisului. Pentru colectia ready-to-wear primavara-vara 2019, tone de nisip fin au fost aduse in interiorul Palatului istoric si modelate in dune si maluri, care au recreat atmosfera unei zile de vacanta pe litoral. In mijlocul decorului, un ocean artificial a completat peisajul, cu valuri puse in miscare printr-un sistem hidraulic ascuns.

Karl Lagerfeld si Virginie Viard alaturi de patru dintre modelele care au defilat pe podiumul Chanel primavara-vara 2019 // Sursa foto: Hepta.ro

Scenografia a fost gandita pana la cele mai mici detalii: scaune de salvamar, cabane din lemn si stuf si un ponton amplu au transformat spatiul intr-o statiune de coasta. Pentru ca spectacolul sa fie cat mai autentic, modelele au defilat desculte, lasand urme in nisip la fiecare pas. Chanel a creat o intreaga experienta vizuala, in care moda, arhitectura si atmosfera unei vacante s-au intalnit pe aceeasi scena.

Chanel Ski Resort

Sursa foto: Hepta.ro

Putin mai tarziu, pentru colectia ready-to-wear toamna-iarna 2019, dupa atmosfera de vacanta de la malul marii, Chanel a schimbat complet atmosfera si a mutat Grand Palais in mijlocul unui peisaj alpin. In decor au fost construite cabane autentice din lemn, la scara reala, completate chiar si de cosuri din care iesea fum, pentru a face atmosfera cat mai convingatoare. Intreaga podea a fost acoperita cu un strat generos de zapada artificiala, iar modelele au defilat pe un podium prin troiene si printre cabanele alpine. Bocancii de iarna, claparii stilizati si ochelarii de schi au completat imaginea unei adevarate escapade la munte.

Aceasta prezentare a avut si o incarcatura emotionala aparte: show-ul a inceput cu un moment de reculegere in memoria lui Karl Lagerfeld, designerul care a definit Chanel timp de decenii. 

Universe of Chanel

Sursa foto: Hepta.ro

Dupa plecarea lui Virginie Viard, un nou nume avea sa preia aceasta traditie a spectacolelor iesite din comun, iar Matthieu Blazy isi incepea era Chanel privind, la propriu, spre univers. Pentru colectia ready-to-wear primavara-vara 2026, sub cupola recent renovata a Grand Palais, spatiul s-a transformat intr-un univers cosmic, imaginat ca un planetariu imersiv. Deasupra podiumului palatului, se afla o adevarata constelatie de planete si corpuri ceresti supradimensionate, in culori vibrante care au transformat arhitectura locului intr-un peisaj aproape ireal.

Matthieu Blazy // Sursa foto: Hepta.ro

La nivelul podelei, suprafata neagra si lucioasa cu sclipici colorat a creat impresia ca modelele pasesc direct printr-un spatiu infinit. Alegerea cosmosului nu a fost intamplatoare. Blazy a facut referire la fascinatia lui Gabrielle Chanel pentru stele si astrologie, folosind universul ca metafora.

Chanel Wonderland

Sursa foto: Hepta.ro

Dupa debutul cosmic, Blazy avea sa exploreze o lume fantastica. A transformat Grand Palais intr-un basm in care natura pare sa fi preluat controlul. Pentru colectia Haute Couture primavara-vara 2026, palatul s-a transformat intr-o padure fantezista, inspirata din „Alice in Tara Minunilor”. In centrul decorului se afla o spirala de ciuperci gigantice, sculptate in nuante lucioase de roz, rosu si galben.

Sursa foto: Hepta.ro

Formele lor supradimensionate, alaturi de tulpinile curbate si palariile lor, au creat impresia ca invitatii au fost micsorati si transportati in lumea lui Alice. Printre ele, salcii plangatoare, vopsite in roz intens, si-au lasat ramurile sa curga peste podium in timp ce podeaua acoperita cu o mocheta groasa roz pudrat a completat atmosfera de basm.

Gaby and the Beanstalk

Sursa foto: Hepta.ro

Cateva luni mai tarziu, imaginatia lui a impresionat din nou, cand Grand Palais a fost transformat intr-un spatiu in care natura pare sa fi preluat controlul asupra realitatii. Pentru colectia haute couture toamna-iarna 2026, proportiile au fost rasturnate pentru a-i face pe invitati sa se simta aproape minusculi. Vrejuri si tulpini uriase se intindeau prin spatiu si pareau ca strapung peretii si tavanul, in timp ce flori monumentale si plante in nuante pamantii erupeau din vaze supradimensionate.

Oglinzile vechi si obiectele exagerat de mari au accentuat si mai mult aceasta senzatie de lume fantastica. Inspiratia a venit chiar din universul personal al lui Gabrielle Chanel. Blazy a descoperit in biblioteca apartamentului ei din Rue Cambon o carte veche de basme, care includea si povestea lui „Jack si vrejul de fasole”. Astfel, decorul a transformat o amintire din lumea lui Coco intr-un basm Chanel contemporan.

Arta din spectacolul de moda

Acesta este de fapt secretul decorurilor Chanel. Oricat de spectaculoase ar fi, ele nu par niciodata complet straine de noi. Casa de moda a reusit sa transforme familiarul in arta si imaginatia in experienta, iar acest aspect a facut din fiecare show mai mult decat o prezentare de moda. Chanel a stiut cum sa-si faca publicul sa se simta vazut. A imbinat arta cu arhitectura si scenografia.

Surse

https://wwd.com/runway/fall-ready-to-wear-2017/paris/chanel/review/
https://www.reuters.com/article/lifestyle/chanel-turns-itself-into-a-giant-supermarket-for-fashion-week-idUSBREA231MK/
https://www.vogue.com/fashion-shows/fall-2026-couture/chanel
https://www.designboom.com/design/constellation-floating-orbs-paris-grand-palais-chanel-ss26-show-matthieu-blazy-10-07-2025/

Articol semnat de Irina Oprea

Irina Oprea este studenta la FJSC. Este pasionata de comunicare si ii place sa scrie despre felul in care moda ne vorbeste.

The post Chanel: arta de a crea un spectacol appeared first on Petocuri.

Desigur, odata cu lansarea unor noi colectii, pasionatii de moda sunt curiosi sa descopere noile piese, materiale sau siluete propuse de designeri, dar marile case de moda reusesc sa le starneasca interesul si asupra modului in care aleg sa comunice fiecare noutate.

Multe dintre cele mai apreciate campanii publicitare seamana mai degraba cu un scurtmetraj decat cu o reclama traditionala. Colectiile sunt prezentate in decoruri spectaculoase, uneori exotice, alteori aproape suprarealiste, iar produsul nu mai este singurul personaj principal. In schimb, publicul este invitat sa isi imagineze ca, odata cu achizitionarea unei piese, devine parte din povestea brandului.

De ce reclamele Loewe raman memorabile?

Daca exista un brand care demonstreaza ca o campanie de moda poate fi privita ca o experienta artistica, acela este Loewe. Timp de 11 ani, Jonathan Anderson a condus directia creativa a casei si a redefinit modul in care aceasta comunica.

Reclamele au depasit rolul de a prezenta o colectie noua si au devenit povesti vizuale construite in jurul unei idei. In loc ca produsul sa fie primul lucru pe care il observi, atentia se indreapta mai intai spre decor sau spre un element neasteptat, iar geanta ori piesa vestimentara este descoperita mai tarziu.

View this post on Instagram

A post shared by LOEWE (@loewe)

Spiritul nonconformist al brandului se observa poate cel mai bine in povestea rosiilor, din colectia primavara-vara 2025. Totul a inceput dupa ce un utilizator de pe retelele sociale a publicat imaginea unei rosii si a glumit ca aceasta arata atat de Loewe. In loc sa o trateze ca pe o simpla gluma, casa de moda a transformat totul intr-un concept creativ. Rosiile au aparut ulterior in campanii, in vitrine, pe ambalaje, si chiar au fost reinterpretate sub forma unei genti si-a unor accesorii.

View this post on Instagram

A post shared by LOEWE (@loewe)

Dupa plecarea lui Jonathan Anderson, directia creativa Loewe a fost preluata de Jack McCollough si Lazaro Hernandez. Primele campanii realizate sub coordonarea lor pastreaza legatura cu arta, insa aduc o estetica mai minimalista.

Atunci cand vad o noua campanie semnata de Loewe nu ma simt ca la un curs de marketing, ci mai degraba ca la o scoala de arta.

De ce sunt reclamele Jacquemus imposibil de ignorat?

Daca Loewe atrage atentia prin imagini care lasa loc de interpretari, Jacquemus reuseste sa cucereasca publicul prin campanii care par pictate. Reclamele brandului sunt gandite ca niste tablouri in care fiecare detaliu construieste un cadru mediteranean, iar paleta cromatica este dominata de nuante de galben, roz, verde sau albastru. Astfel, publicul este transpus intr-un decor ce aminteste de Riviera Franceza sau de Coasta Amalfitana. Aceasta identitate vizuala merge insa mai departe de fotografii, iar ideea de a transforma obiecte obisnuite in constructii supradimensionate este prezentata si in miscare.

View this post on Instagram

A post shared by JACQUEMUS (@jacquemus)

O simpla geanta devine un magazin pop-up, iar un tub de pasta de dinti sau o felie de paine toast se transforma in elementele centrale ale unei colectii. Unul dintre cele mai inspirate exemple este campania din 2025 dedicata magazinului din Los Angeles, in care brandingul a fost construit in jurul unei banane. Pe langa decorurile inspirate de acest simbol, brandul a pus la dispozitie vizitatorilor si o masina in forma de banana care ii plimba prin oras. In cazul acesta, campania nu se opreste la vitrina magazinului, ea continua si pe strazile orasului.

View this post on Instagram

A post shared by JACQUEMUS (@jacquemus)

O directie artistica se regaseste si in campania Winter Retreat, realizata pentru iarna lui 2024, unde modelul Alex Consani este surprinsa intr-un cadru montan.

View this post on Instagram

A post shared by JACQUEMUS (@jacquemus)

In spatele imaginilor spectaculoase si al campaniilor care cuceresc internetul, se afla si o latura mult mai personala a brandului. Unul dintre cele mai emotionante exemple este campania din colectia primavara-vara2025, dedicata gentii Le Valerie, numita dupa mama lui Simon Porte Jacquemus.

View this post on Instagram

A post shared by JACQUEMUS (@jacquemus)

Reclama este construita dintr-o succesiune de cadre inspirate din copilaria designerului. Ea include momente obisnuite in care mama lui venea de la cumparaturi, se pregatea pentru o iesire in oras sau isi desfasura rutina de zi cu zi. Totul este filmat de jos in sus, pentru a sugera inaltimea de la care designerul vedea lucrurile atunci cand era mic.

Fie ca este vorba de o atmosfera de continua vacanta sau de campanii sensibile, demersurile sunt gandite in jurul unui singur aspect: asocierea. Asocierea obiectelor cu intamplari din viata fiecaruia.

Cum reusesc reclamele Chloe sa transmita atat de multa libertate?

Campaniile Chloe par construite in jurul unei stari, nu al unui produs. Fiecare cadru transmite liniste, libertate si o conexiune profunda cu natura, iar hainele devin parte din poveste. Chemena Kamali, directoarea de creatie a brandului, a consolidat un univers vizual in care feminitatea este prezentata intr-o forma eleganta si diafana. Lumina este aproape intotdeauna naturala, paleta cromatica este dominata de tonuri neutre, iar peisajele completeaza atmosfera. Chloe nu creeaza reclame spectaculoase, ci imagini care invita publicul sa guste din conceptul de “slow life”.

Aceasta directie poate fi observata si in campania pentru iarna 2026. Modelele se plimba prin campuri cu flori salbatice, se intind pe iarba sau traverseaza peisaje largi, in timp ce materialele vaporoase si miscarea hainelor urmeaza ritmul naturii. Intreaga campanie transmite ideea de libertate, conexiune si feminitate, valori esentiale pentru identitatea brandului.

Poate tocmai aceasta discretie face reclamele Chloe memorabile. Brandul nu incearca sa impresioneze prin decoruri extravagante sau prin elemente socante, el construieste un univers in care privitorul isi doreste sa ramana. Chloe ne vorbeste in soapta si contureaza ideea de puritate si naturalete, iar acesta este aspectul care il scoate in evidenta.

*

In final, marile case de moda nu incearca doar sa convinga publicul sa cumpere o piesa vestimentara. Fie ca vorbesc despre arta, despre vacante mediteraneene, amintiri din copilarie sau despre puritate, campaniile lor demonstreaza ca, de fapt, cele mai puternice reclame sunt cele care spun o poveste. Astfel, brandurile de lux se asigura ca, in mintea privitorilor, ramane o emotie.

*

Articol semnat de Irina Oprea

Irina Oprea este studenta la FJSC. Este pasionata de comunicare si ii place sa scrie despre felul in care moda ne vorbeste.

The post Cum transforma casele de moda reclamele in povesti appeared first on Petocuri.

Gucci Caffe: cand moda intalneste gastronomia in Florenta

Situat in Piazza della Signoria, Gucci Caffe aduce universul casei italiene in unul dintre cele mai cunoscute puncte ale Florentei. La Gucci Cafe chiar si o cafea obisnuita capata o atmosfera speciala. Personalul este atent la detalii si foarte amabil, iar decorul in nuantele specifice casei de moda creeaza un spatiu cu aer regal, in care experienta este la fel de importanta ca meniul. Acesta din urma ramane simplu, dar bine ales, cu optiuni potrivite pentru un colazione in stil italian.

Ceea ce o face cu adevarat speciala este faptul ca, in aceeasi incinta, se afla si muzeul istoriei Gucci, Palazzo Gucci. Astfel, oprirea pentru cafea poate deveni, fara prea mult efort, o experienta completa in universul uneia dintre cele mai cunoscute case de moda italiene. Printr-o cafea, o patiserie sau alta alegere din meniu, oricine poate intra pentru cateva momente in lumea Gucci, fara sa fie nevoie sa cumpere o piesa din colectiile sale. In fond, aici “everybody gets a sip of Gucci”.

Don Nino: locul unde cafeaua se uita la Dom

In inima Florentei, chiar langa catedrala Santa Maria del Fiore, Don Nino propune o combinatie greu de ignorat: produse de calitate si una dintre cele mai spectaculoase privelisti din oras. Cafeneaua face parte dintr-un lant italian premium de patiserie, cafenea si gelaterie artizanala, insa locatia din Piazza Del Duomo are un farmec aparte. Aici, cafeaua poate deveni o adevarata pauza de la ritmul turistic alert. Dupa ore de mers pe stradutele Florentei pentru a descoperi orasul, cateva minute petrecute la masa cu Domul in fata au fost exact ce am avut nevoie. Totusi, faptul ca se afla in una dintre cele mai turistice zone ale orasului nu a compromis atentia acordata produselor.

Printre specialitatile care merita incercate se numara cannoli, un desert emblematic al patiseriei italiene, dar si pistachio macchiato, un espresso completat de spuma de lapte si crema de fistic. La Don Nino, experienta nu se bazeaza doar pe priveliste: calitatea produselor este cea care transforma o oprire turistica intr-o pauza pe care vrei sa o prelungesti.

Caffe Paszkowski: eleganta unei cafenele cu istorie

Dintre cele trei locuri, Caffe Paszkowski este, poate, cea care impresioneaza cel mai mult prin atmosfera. Situata in Piazza della Repubblica, aceasta cafenea istorica, fondata in 1903, pastreaza un aer elegant care te face sa incetinesti ritmul imediat ce ii treci pragul.

Reconditionata recent, si-a pastrat mobilierul si detaliile originale de la inaugurare impecabil conservate, astfel incat fiecare element spune o parte din povestea locului. Istoria sa incepe din secolul al 19-lea, cand spatiul functiona ca berarie, inainte de a deveni Caffe Concerto si, mai tarziu, un punct de intalnire pentru scriitori, artisti si intelectuali.

Astazi, povestile celor care au trecut pe aici sunt aproape la fel de interesante precum decorul. Celebritati care au vizitat cafeneaua au lasat autografe, iar unele dintre acestea au devenit sursa de inspiratie pentru o lista de 14 cocktailuri. Poate cel mai frumos aspect la Paszkowski este senzatia ca nu ai intrat pur si simplu intr-o cafenea, ci intr-un loc in care timpul a ramas putin in urma.

Poti veni pentru o cafea si un produs de patiserie, dar ramai pentru atmosfera si pentru povesti ascunse in jurul tau. Iar seara, muzica live completeaza experienta, transformand cafeneaua intr-un spatiu in care istoria, gastronomia si cultura se intalnesc. 

*

Cele trei cafenele arata cat de diferit poate fi trait ritualul cafelei in Florenta. Gucci Caffe transforma o simpla oprire intr-o calatorie in universul unui brand de lux, Don Nino m-a facut sa iau o pauza si sa ma bucur de privelistea din jurul meu, chiar in mijlocul agitatiei, iar Caffe Paszkowski m-a impresionat prin decorul si istoria pe care le-a pastrat in fiecare detaliu.

Tocmai aceasta diversitate le face atat de interesante. Nu sunt doar locuri in care bei o cafea, ci spatii care iti ofera perspective diferite asupra orasului: prin moda, arhitectura, istorie sau muzica. Fie ca alegi o pauza scurta intre doua obiective turistice sau un loc in care sa stai mai mult si sa observi atmosfera din jur, fiecare dintre ele poate deveni parte din experienta perfecta in Florenta. Asa am aflat ca, pentru a descoperi un oras, poti si doar sa te asezi la o masa si sa-l privesti in tihna.

*

Articol si fotografii semnate de Irina Oprea

Irina Oprea este studenta la FJSC. Este pasionata de comunicare si ii place sa scrie despre felul in care moda ne vorbeste.

The post Trei locuri din Florenta care transforma cafeaua intr-o experienta appeared first on Petocuri.

Life in Looks arata cum moda se intersecteaza cu aproape orice domeniu si fiecare episod este special deoarece invitatii vorbesc despre conjunctura prin care moda a devenit importanta in viata lor. Vestimentatia ajunge, astfel, sa fie doar punctul de plecare al unor conversatii despre prieteni, familie, pasiuni si lectii de viata. Imi place ca oamenii care se asaza in fata unui catalog cu tinute, stiu deja ca urmeaza sa rasfoiasca o carte a vietii lor. Acest lucru face ca formatul sa fie atat de sensibil si de ancorat in realitate.

Episoadele pe care le-am ales au ca invitate personalitati care mi-au definit copilaria. Nu puteam vorbi despre modeling fara Naomi Campbell, Lady Gaga era o sursa constanta de inspiratie artistica, apoi Cameron Diaz reprezenta actrita perfecta pentru filmele care iti dau o stare de bine si Serena Williams era omniprezenta in discutiile despre sport.

Povestile din garderoba lui Naomi Campbell

Naomi Campbell este una dintre figurile care au definit industria modelingului. Din episodul ei din “Life in Looks” insa, nu mi-au ramas in minte doar tinutele, ci loialitatea pe care a construit-o fata de oamenii care i-au influentat parcursul.

Pe masura ce rasfoieste catalogul pregatit de Vogue, ajunge la o fotografie din ultima prezentare haute couture semnata de Gianni Versace in 1997. Imaginea devine punctul de plecare pentru o serie de amintiri despre relatia apropiata pe care a avut-o cu Gianni si Donatella Versace in cei 13 ani de colaborare. In toata perioada in care a lucrat pentru casa de moda, topmodelul a lipsit “motivat” la doar doua prezentari.

Motivul nu a avut legatura cu alte proiecte din industrie, ci cu intalnirile pe care le avea cu Nelson Mandela, pe care Naomi l-a considerat o persoana foarte importanta din viata ei. Ea povesteste ca Gianni si Donatella Versace au pregatit chiar 50 de camasi pe care ea urma sa le ofere fostului presedinte, stiind cat de mult aprecia creatiile casei de moda. Gestul spune multe despre relatia pe care a construit-o de-a lungul anilor si despre faptul ca dincolo de prezentari si colectii, moda a insemnat pentru Naomi si oamenii pe care i-a intalnit pe parcursul carierei. Desi in episod apar si tinute semnate de Givenchy, Dior, Alexander McQueen sau Dolce & Gabbana, povestea despre Versace ramane cea mai discutata.

Povestile din garderoba lui Lady Gaga

Daca episodul lui Naomi Campbell vorbeste despre relatiile construite in industrie, cel al lui Lady Gaga arata cat de puternica poate deveni moda atunci cand este folosita ca forma de exprimare. Vestimentatia este o prelungire a gandurilor si a identitatii noastre, iar moda vorbeste atunci cand noi nu stim cum sau traim cu teama de judecata.

Printre imaginile la care revine se numara celebra “Meat dress”, purtata la MTV Video Music Awards in 2010, una dintre cele mai discutate aparitii din cariera ei. Lady Gaga povesteste ca ideea a pornit de la o intamplare banala, care i s-a parut suficient de neasteptata incat sa o transforme intr-o tinuta. Pentru ea, vestimentatia nu pare sa fie despre a respecta reguli sau a cauta aprobarea publicului. Tocmai de aceea tinuta a ramas una dintre cele mai de impact din cariera ei, prin felul in care reflecta creativitatea si curajul artistei.

Celelalte aparitii din episod arata aceeasi consecventa: pentru Lady Gaga, moda nu a fost niciodata doar un element spectaculos, ci unul dintre cele mai importante instrumente prin care si-a construit universul artistic.

Povestile din garderoba lui Cameron Diaz

Spre deosebire de invitatii care isi construiesc povestile in jurul modei, Cameron Diaz vorbeste despre tinute prin prisma etapelor care i-au schimbat viata. Povestea din „Charlie’s Angels” mi s-a parut cea mai reprezentativa pentru felul in care Cameron Diaz priveste meseria de actor. Ea vorbeste despre disciplina din spatele celebrelor cadre din film si despre cat de mult a schimbat-o perioada de pregatire.

Cele trei luni de antrenamente intense au transformat un rol intr-un stil de viata pe care l-a pastrat si dupa incheierea filmarilor. Nu a asociat filmul cu succesul pe care l-a avut, l-a asociat cu o schimbare personala care continua sa faca parte din viata ei si astazi. Astfel, ce-i place cel mai mult la meseria ei este ca reuseste sa aiba foarte multe meserii intr-una singura.

Prin prisma rolurilor, invata sa faca multe lucruri pe care in mod normal nu ar fi avut ocazia sa le experimenteze. Cameron Diaz povesteste ca, in viata de zi cu zi si la evenimente, a cautat mereu confortul mai mult decat spectaculosul. Filmele au fost, insa, locul in care si-a permis sa experimenteze fara limite. Aceasta perspectiva este interesanta pentru ca uneori, moda devine un instrument prin care actorii isi construiesc personajele, chiar daca in afara platoului de filmare aleg un stil complet diferit.

Povestile din garderoba Serenei Williams

Serena Williams demonstreaza ca performanta sportiva si moda nu trebuie privite ca doua lumi diferite. In episodul “Life in Looks”, jucatoarea de tenis vorbeste despre felul in care stilul vestimentar a facut parte din identitatea ei inca de la inceputul carierei.

Una dintre fotografiile la care revine este cea de la French Open din 2002, cu o tinuta pe care o considera si astazi una dintre preferate. Inspiratia a venit de la echipamentul nationalei de fotbal a Camerunului, o alegere neobisnuita pentru tenis la acel moment. Serena recunoaste ca a ezitat sa o poarte deoarece se intreba cum ar reactiona publicul atunci cand va vedea cat de mult isi doreste sa aduca moda pe terenul de tenis. Privind in urma, tocmai aceasta aparitie a devenit reprezentativa pentru stilul care avea sa o defineasca.

Interesul pentru design nu s-a oprit la terenul de tenis. In paralel cu turneele si antrenamentele, Serena a studiat moda la The Art Institute, iar in 2003 si-a creat chiar ea echipamentul purtat la Australian Open. Ce am apreciat cel mai tare la acest episod este ca fiecare tinuta aleasa este extrem de atent construita pe baza pasiunilor ei si ca a avut curajul sa iasa din zona de confort.

Seria Vogue demonstreaza ca povestile din spatele alegerilor unor tinute ajung sa fie uneori mai interesante decat vestimentatia in sine. Acest lucru contureaza identitatea fiecarei persoane si arata cum moda se poate imbina perfect si cu sportul, actoria sau muzica.

*

Articol semnat de Irina Oprea

Irina Oprea este studenta la FJSC. Este pasionata de comunicare si ii place sa scrie despre felul in care moda ne vorbeste.

The post Cum transforma Vogue o garderoba intr-o serie de povesti memorabile appeared first on Petocuri.

• IGA Roberta – pentru imprimeurile vesele, care iti capteaza privirea din prima clipa. Dar, daca sunt complet sincera, motivul pentru care m-am intors mereu la colectia ei este unul cat se poate de personal: aplicatiile in forma de floare de hortensie. Colorate, delicate si spectaculoase, au fost pentru mine detaliul care a facut diferenta.

• Antonie Artemis Flora – pentru volumetria impecabila a jachetelor, pentru „sahul” inteligent al imprimeurilor si pentru felul in care materialele stralucesc discret, fara sa incerce vreodata sa acapareze privirea.

• Bara Patricia – pentru o feminitate profund contemporana, construita printr-un dialog perfect intre volume ample si materiale de o delicatete aproape fragila. O estetica puternica, dar lipsita de orice urma de ostentatie.

• Ramirez Rodriguez Alexandra – pentru jocul curajos dintre culoare si volum, intotdeauna perfect echilibrat. Dar, mai ales, pentru autenticitatea cu care simti ca fiecare piesa vorbeste despre ea insasi. Sunt haine care nu incearca sa impresioneze, ci pur si simplu exprima.

• Rus Maria – pentru armonia impecabila a combinatiilor cromatice si pentru eleganta lor lipsita de efort.

• Costin Daniela – pentru felul in care clasicul duo alb-negru devine fundatia perfecta pentru volume spectaculoase si imprimeuri expresive. O demonstratie ca simplitatea poate sustine intotdeauna spectaculosul.

• Kuti Anna Emilia – aici m-a cucerit atentia pentru detaliu. Aplicatiile fine, interventiile discrete asupra materialelor si accesoriile nu sunt simple completari, ci elementele care dau coerenta si rafinament intregii colectii.

• Bura Karina Stefania – cred ca nu ma voi satura niciodata de dialogul dintre catifea si dantela. Iar atunci cand aceste doua materiale sunt puse in valoare printr-un joc sofisticat de volume si transparente, sunt, fara rezerve, all in.

• Nidelea Sofia Maria – catifeaua mata si accentele aurii ale accesoriilor alcatuiesc una dintre acele combinatii clasice care nu isi pierd niciodata puterea de seductie.

MASTER

• Alexa Crismareanu – am iubit colectia ei. Mi-a confirmat inca o data ca doar atunci cand creezi cu adevarat relaxat poti aduce impreuna, firesc, atat de multe imprimeuri, texturi si volumetrii. In spatele acestui joc aparent liber se afla insa un discurs profund despre apartenenta si despre acea rusine pe care, uneori, o simtim fata de propriile radacini. Alexa a tradus totul vestimentar prin mesajul unapologetically eastern, iar rezultatul a fost unul dintre cele mai articulate concepte ale acestei editii.

• Bora Andreea –  colectia ei mi s-a parut o intalnire neasteptata intre eleganta clasica si inovatia tehnologica. Volumele sculpturale si sobrietatea negrului au fost puse in dialog cu accesorii si aplicatii imprimate 3D, construind tinute care sunt, in acelasi timp, ceremonioase si perfect purtabile.

• Strugar Cristina Andreea – inca nu stiu daca m-au cucerit mai intai broderiile si aplicatiile din dantela sau imaginea unei siluete regale reinterpretate intr-o estetica actuala. Stiu doar ca as purta, fara sa schimb nimic, oricare dintre creatiile ei.

• Petculescu Andrei – pentru mine, prezentarea lui a fost un Mad Men reinterpretat pentru 2026 si transpus pe podium. Nu doar hainele au construit aceasta poveste, ci si prezenta lui scenica, energia creativa si magnetismul cu care si-a sustinut universul. Bravo, Andrei!

• Anda Cirlig – mi-a fost imposibil sa aleg o singura tinuta, pentru ca intreaga colectie functioneaza ca o cronologie a feminitatii. Corsetul, funda, portjartierul, toca – simboluri vestimentare pe care le asociem de mult cu ideea de feminin – sunt reinterpretate si recompuse intr-un colaj contemporan, proaspat si surprinzator.

• Dumesle Lousenie – o colectie vibranta, plina de energie si vitalitate, in care culorile intense, texturile impecabile si accesoriile stralucitoare construiesc un discurs vizual imposibil de ignorat.

• Anghel Mihai Cristian & Anghel Adrian Gabriel – hainele lor sunt, inainte de orice, poezie. Ele dezvaluie un univers interior bogat in simboluri si, tocmai de aceea, se descopera altfel de fiecare data cand le privesti. Mai intai te cuceresc delicatetea broderiilor si finetea accesoriilor, apoi observi forta liniilor si monumentalitatea siluetelor. Iar unitatea cromatica in alb nu este doar o alegere estetica, ci un argument stilistic in sine, care da intregii colectii o identitate memorabila.

Fotografii: Raluca Ciornea // Sursa: UAD Fashion

The post Colectiile de la UAD Gala pe care le-as purta. Si de ce. O cronica foarte personala. appeared first on Petocuri.

“Transilvania | Extravaganza”, cea mai ampla expozitie dedicata lui Stefan Caltia, a oferit prilejul unei colaborari prin care diverse motive emblematice au fost imprumutate din universul artistului si transpuse, apoi, pe piese vestimentare si accesorii.

Cand arta devine obiect purtabil

Mai intai, mi-au atras atentia bluzele marinaresti si esarfa din matase, imprimata cu un clovn cu trandafiri albi in maini, parte din lucrarea Clovn cu flori albe, realizata in 2013, dar si cardiganul elegant, decorat tot cu trandafiri albi.

Prin intermediul unui citat tiparit pe o cartolina, am aflat si povestea din spatele acestor flori:

In fereastra atelierului meu este un trandafir alb, plantat de sotia mea, care infloteste tot timpul anului, daca nu e ger, chiar si iarna. Cateodata, are flori si de Craciun, apoi, cum se face primavara, infloreste din nou.
Il vad pe ferestra o mare parte din an, asa ca mai stau cu el de vorba, e cel mai apropiat de mine in timpul lucrului. Stefan Caltia

Mi-a placut si cum este prezentata colectia-capsula, designul spatiului fiind inspirat de paleta cromatica explorata de artist in picturile sale. Jocul de imagini pe care il creeaza prezenta oglinzilor e si el unul de impact, datorita modului in care sunt multiplicate cadrele incaperii.

Initiativa a fost o surpriza frumoasa, de care am avut parte la finalul experientei printre picturile lui Stefan Caltia, care sunt gazduite, pana pe 16 august 2026, la Manastirea Ursulinelor din Sibiu.

Sursa foto: Ioana Lovin (arhiva personala)
Layout video: Canva

The post Colectia-capsula Ami Amalia x Stefan Caltia. La intersectia dintre moda si arta. appeared first on Petocuri.

Mi-am imaginat aceasta colectie ca si cum ar fi vara insasi. Soarele, culorile, frumusetea lucrurilor simple, senzatia de lejeritate. Pentru mine, aceasta este fericirea… le bonheur. Simon Porte Jacquemus, fondatorul casei de moda – potrivit jacquemus.com

Echilibru intre clasic reinterpretat si neconvetional

Sursa foto: Hepta.ro

Aceasta aduce impreuna piese minimaliste, croite cu precizie, dar si articole vestimentare de impact, datorita volumetriilor – elemente emblematice pentru designerul francez. Maiourile clasice sunt realizate din materiale contrastante. Unele sunt vaporoase, altele, croite dintr-o piele foarte subtire, de efect. Ele sunt, de altfel, printre piesele preferate, alaturi de fustele construite din straturi suprapuse si drapaje.

Tinutele de vara pun in echilibru liniile curate cu aerul maximalist al pieselor cu texturi bogate si sunt completate de balerini delicati si confortabili.

Paleta cromatica pare a fi inspirata de culorile care te inconjoara pe parcursul unei zile petrecute la malul marii. Am interpretat albul ca pe o metafora a luminii puternice din timpul verii si am asociat negrul si bleumarinul cu atmosfera noptii. Apoi, tonurile de galben, roz, rosu si portocaliu, insotite de albastru, m-au facut sa ma gandesc la culorile cerului atunci cand soarele rasare sau apune. Prezenta subtila a verdelui, tonurile pamantii si turcoazul completeaza intregul peisaj.

Iata, in continuare, o parte dintre tinutele favorite din colectia Le Bonheur, conceputa de Jacquemus:

Sursa foto: Hepta.ro

The post Le Bonheur by Jacquemus. Vara transpusa intr-o colectie vestimentara. appeared first on Petocuri.

Asa ca numele lui a fost o acrosa perfecta pentru mine.

La granita dintre cultura pop, street art si arta contemporana, expozitia „KAWS: Art & Comix” de la Albertina Modern este o explorare captivanta si aproape interactiva a modului in care universul benzilor desenate a influentat arta ultimelor decenii. Deschisa pana pe 27 septembrie 2026, expozitia il plaseaza pe artistul american Brian Donnelly in centrul unui dialog vizual cu artisti care au transformat personajele, simbolurile si estetica pop intr-un limbaj artistic de sine statator.

Cunoscut pentru personajele sale iconice cu ochi in forma de „X”, KAWS este una dintre figurile care au redefinit relatia dintre arta si cultura de masa. In cadrul expozitiei, sculpturile si picturile sale sunt prezentate alaturi de lucrari ale unor artisti precum Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Ad Reinhardt, Kathrine Bernhardt si Joyce Pensato, evidentiind felul in care imaginile provenite din comics, desene animate si publicitate au devenit surse legitime de expresie artistica.

Conceptul expozitiei porneste de la ideea ca benzile desenate reprezinta un limbaj universal, accesibil si recognoscibil indiferent de cultura sau generatie. Personajele nu mai sunt simple instrumente narative, ci devin vehicule pentru emotii, comentarii sociale si reflectii asupra identitatii contemporane. In acest context, Companion, BFF si celelalte figuri create de KAWS capata o autonomie artistica proprie, situandu-se la intersectia dintre arta, design si consum cultural.

Pentru publicul interesat de moda, expozitia este relevanta si prin influenta pe care KAWS a avut-o asupra industriei fashion. Printre cele mai importante colaborari se numara:

Dior / pentru prezentarea colecției masculine Primavara /Vara 2019 realizata de Kim Jones, unde o sculptura florala uriasa BFF a devenit simbolul show-ului.
Uniqlo / una dintre cele mai de succes colaborari comerciale ale artistului, prin colectiile UT (Uniqlo T-shirt), care s-au vandut in intreaga lume.
Nike / colaborari pentru editii speciale de sneakers si apparel, extrem de cautate de colectionari.
Comme des Garçons / proiecte care au adus universul grafic KAWS in zona modei de avangarda.
Sacai / reinterpretari artistice ale pieselor emblematice ale brandului japonez.
The North Face / colectii care au combinat estetica outdoor cu personajele iconice ale artistului.
BAPE (A Bathing Ape) / una dintre colaborările definitorii pentru cultura streetwear a anilor 2000.

Colaborarile sale cu branduri de lux si streetwear au contribuit la transformarea artistului intr-un fenomen cultural global, iar prezenta sa intr-o institutie precum Albertina Modern confirma statutul artei contemporane ca spatiu de intalnire intre creativitate, design, moda si divertisment.

Mai mult decat o retrospectiva dedicata unui singur artist, „KAWS: Art & Comix” este o reflectie asupra felului in care imaginile care ne inconjoara zilnic – de la personaje de desene animate la simboluri comerciale – modeleaza cultura vizuala a prezentului. Expozitia demonstreaza ca ceea ce odinioara era considerat divertisment popular poate deveni, in contextul potrivit, o forma relevanta si influenta de arta contemporana.

KAWS: Art & Comix
Albertina Modern
3 aprilie – 27 septembrie 2026

Fotografii si videouri: Vicki Nicola
Layout colaje: Canva

The post KAWS: Art & Comix la Albertina Modern – cand benzile desenate intra in muzeu appeared first on Petocuri.