La Milano

Construita la Milano, in locul unei distilerii din 1910, Fondazione Prada este alcatuita din sapte cladiri si impartita in trei sectoare: Podium, Cinema si Torre. Arhitectul Rem Koolhaas a imbinat mai multe stiluri arhitecturale pentru a crea un mediu in care vizitatorii sa exploreze contrastul dintre vechi si nou, orizontal si vertical, alb si negru, deschis sau inchis.

Podium – Dash

Cadre din expozitia lui Cao Fei, „Dash

Prima cladire din care este alcatuita Fondazione Prada gazduieste, pana pe 28 septembrie 2026,  o expozitie dedicata lui Cao Fei, o artista nascuta in China, care pune accentul, in lucrarile ei, pe viata de zi cu zi a chinezilor. Intitulata „Dash”, de la viteza cu care se misca dronele, expozitia prezinta evolutia agriculturii locale de la traditie la tehnologie, si cum cele doua se completeaza.

Piesa centrala de la parter este cortul in care se difuzeaza filmul „Dash”, despre relatia dintre om si masina in agricultura. Apoi, templul prezentat este inspirat din cercetarile facute de artista in Cambodgia, Thailanda si Vietnam, cu privire la obiceiurile din timpul recoltelor. Este decorat cu ciucuri multicolori si instalatii ale unor drone in marime naturala, iar contrastul dintre traditional si tehnologic este izbitor.

La etaj, expozitia continua cu o piesa artistica impresionanta cu un dragon desenat din orez, completata de componentele unei drone. Dragonul, cum ne este dezvaluit si in film, reprezinta fertilitatea pamantului.

Hauted House – Robert Gober / Louise Bourgeois

Lucrare semnata de Robert Gober

Haunted House are patru etaje si se afla langa Podium. Cladirea este acoperita cu foita de aur de 24 de carate, o interventie arhitecturala a lui Rem Koolhaas. Aici este gazduita expozitia permanenta a lui Robert Gober, sculptorul american inspirat adesea de obiecte domestice sau de corpul uman, si a artistei franceze Louise Bourgeois.

Lucrarile lor analizeaza intr-o maniera profunda idei despre natura, politica, relatii si sexualitate, iar fiecare vizitator completeaza cu propria imaginatie mesajul transmis de artisti.

Cinema – Processo Grottesco

Cadre din expozitia lui Thomas Demand, “Processo Grottesco”

La subsolul cladirii Cinema, se afla expozitia lui Thomas Demand, “Processo Grottesco”. Chiar la intrare, vizitatorii sunt intampinati de o fotografie impresionanta a sculptorului si fotografului german, intitulata „Grotto” si inspirata de o carte postala cu pestera Cuevas del Drach din Mallorca.

In spatele peretelui cu aceasta fotografie, se afla macheta cu stalactite si stalagmite, creata din 30 de tone de carton. Demand a fotografiat aceasta constructie intr-o lumina de film, realizand „Grotto”, iar vizitatorii pot vedea, astfel, si procesul creativ prin care a trecut artistul.

Cisterna – Over, Under and In Between

Cadre din expozitia artistei Mona Hatoum, „Over, Under and In Between”: „Web” (2026), „Map” (2026) si „All of a quiver” (2022)

Mona Hatoum, nascuta in Liban, este o artista care, prin fotografie, instalatii si sculptura, atinge subiecte controversate precum marginalizarea, excluderea si controlul politic. In Cisterna, vizitatorii pot explora, pana pe 9 noiembrie 2026, expozitia ei „Over, Under and In Between”, compusa din trei parti: „Web” (2026), „Map” (2026) si „All of a quiver” (2022).

Vizitatorii se intalnesc la intrarea in expozitie cu „Web”, o instalatie in forma de panza de paianjen. Pentru a o vedea, trebuie sa iti ridici privirea, lucru ce face ca interpretarea lucrarii sa fie duala. Poate fi perceputa ca o amenintare, o capcana, sau ca protectie, un acoperamant deasupra capului.

A doua parte din expozitie este „Map”, care, asa cum sugereaza numele, este o harta a lumii, realizata din 30.000 de sfere rosii nefixate in podea. Al treilea segment este „All of a quiver”, o instalatie de metal, ce aduce aminte de structura unei cladiri. Construita pe noua niveluri, cuburile se inclina printr-un mecanism motorizat, dand impresia ca s-ar prabusi. Viziunea lui Hatoum a fost aceea de a reprezenta senzatia de neliniste, claustrofobie si vulnerabilitate.

Torre – Atlas

Upside Down Mushroom Room de Carsten Holler / Tulips de Jeff Koons

Torre, cu cele noua etaje de dimensiuni diferite, gazduieste proiectul „Atlas”, permanent la Fondazione Prada. Fiecare etaj este reorganizat periodic, pentru a explora felul in care spatiul arhitectural influenteaza experienta vizitatorilor. Cu un lift panoramic impresionant, Torre  prezinta pe fiecare etaj cate o expozitie diferita – in afara etajelor sase si sapte, unde este un restaurant.

Atlas este un „atlas” al ideilor, o harta a viziunilor, dupa cum o descrie Fondazione Prada. Instalatiile, picturile, sculpturile si tapiteriile artistilor se intalnesc in Torre, iar vizitatorii pot observa contrastul dintre subiectele alese de artisti.

Teme precum politica, familia, traditiile sau natura se imbina armonios la Fondazione Prada, in ciuda dialogului contrastant dintre abordarile artistilor. Mesajele lor sunt atat tulburatoare, cat si surprinzatoare intr-un mod placut.

Galeria de arta contemporana a Miucciei Prada reprezinta, fara indoiala, una dintre cele mai interesante destinatii culturale din Milano si merita explorata in intregime. Biletul de student la Fondazione Prada este 12 euro, iar cel intreg, 15 euro.

*

Articol si fotografii semnate de Melania Dragoi

Melania Dragoi, studenta la FJSC, specializare Publicitate, si la Universitatea Romano-Americana, specializare Marketing, este pasionata de moda, Formula 1 si literatura. Isi doreste sa lase o amprenta prin creativitate si autenticitate. 

The post Fondazione Prada Milano: un muzeu al ideilor appeared first on Petocuri.

Irina Cristescu | Morphologies of Self

Aerosoli exploreaza litoralul in sezon, dar si dincolo de acesta, dincolo de imaginea lui turistica, saturata, de vara. Selectia de lucrari functioneaza dupa logica unei climatoterapii: urmareste micile naratiuni, aproape conspirative, care se tes in miezul verii, dar si in spatele plajelor golite de oameni, povestile locale din jurul Marii Negre, rutine ascunse, urme si absente care rescriu litoralul ca spatiu de observatie, aflam din textul curatorial al expozitiei, care atribuie aerosolilor o calitate noua, de remediu pentru suflet si minte.

Artistii care fac parte din expozitie

Codruta Cernea | Waiting for Their Turn

Artistii George Apostu, Sasha Bandi, Dan Beudean, Alexandra Boaru, Lucian Bran, Iulia Bucuresteanu, Codruta Cernea, Maria Chelsoi Cristea, Andrei Chintila, Tudor Ciurescu, Andrei Costache, Lorena Cocioni, Otto Constantin, Cristina Countas, Irina Cristescu, Ioana Gorzo, Teodor Graur, Lucian Grigorescu, Keti Kapanadze (Georgia), Thea Lazar, Cristina Licurici, Diana Manole, Paul Miracovici, Gore Mircescu, Daniela Palimariu, Theodor Pallady, Radu Pandele, Gheorghe Petrascu, Geza Perneczky (Ungaria), Adrian Preda, Melinda Rus, Cristian Raduta, Ramon Sadic, Decebal Scriba, Larisa Sitar, Daniel Spoerri, Nadina Stoica, Leo Toteanu si Marco Verhoogt pozitioneaza expozitia la intersectia dintre arta moderna si cea contemporana.

Aerosoli, pentru o stare de bine

Arta ramane, pentru mine, una dintre cele mai la indemana surse de bucurie si ma intreb acum daca exista o tema de expozitie mai potrivita de atat care sa imi sustina parerea. Marea e unul dintre locurile mele preferate. Oricate dileme as avea in viata, cea dintre munte si mare nu se regaseste printre ele.

Ioana Gorzo | Marti 3, Miercuri 1, Marti 2, Miercuri 2, Luni 1, Marti 4, Marti 1, Luni 2

Dupa ce am plecat de la vernisajul desfasurat pe 17 iulie, am ramas mai mult timp cu gandul la lucrarile vazute. Mentionez cateva dintre ele, asa cum imi vin in minte. Incep cu cele semnate de Ioana Gorzo, in care siluetele unor oameni care se plimba pe malul marii se estompeaza de la un cadru la altul, ca urmele lasate de amintiri, odata cu trecerea timpului.

De altfel, cea care mi-a facut introducerea in universul expozitiei e chiar o lucrare a artistei, inclusa pe afisul evenimentului. Apoi, prima lucrare care mi-a atras atentia cand am pasit in spatiul Vilei Catena a fost cea semnata de Geza Perneczky, o barca ale carei ancore sunt cuvintele da si nu.

Geza Perneczky | Navigation

Decebal Scriba | The Curtain

Mi-a ramas in minte si fotografia realizata de Decebal Scriba in 1980, in care dezvaluie marea, ascunsa dupa doua draperii. M-a impresionat compozitia in sine, dar si mesajul ei, deoarece lucrarea face referire la Cortina de Fier, care despartea pe atunci Estul si Vestul.

Gore Mircescu | La plaja // Nadina Stoica | The Room, Cuibareala grai nu are #4

Marco Verhoogt | Sulina Inquiry #2, Stay calm and drink cocktails

Pictura cu trei femei la plaja, semnata de Gore Mircescu mi-a placut si ea in mod special, datorita atmosferei blande a acelui moment. La fel, si fotografiile realizate de Marco Verhoogt la Sulina, care transforma cadre obisnuite din viata de zi cu zi in arta.

Maria Chelsoi Cristea | La plaja // Paul Miracovici | La mare

Apoi, sunt fotografiile alb-negru, semnate de Nadina Stoica, si sentimentul lor de nostalgie si de singuratate. La polul opus ca stare, raman printre preferate, lucrarea in acuarela semnata de Maria Chelsoi Cristea si pictura in ulei a lui Paul Miracovici, care coloreaza forfota si energia vibranta a plajelor in sezonul estival.

Keti Kapanadze | Black Sea

Cristina Countas | Scarf with seashells, Fantastic sea creature, Sea snail

M-a impresionat si cum Keti Kapanadze a compus marea din diverse piese de lemn, metal si plastic. M-au impresionat si lucrarile textile cu creaturi acvatice, semnate de Cristina Countas, precum si seria de lucrari realizate de Teodor Graur in pastel, carbune, acuarela sau guasa pe hartie. Printre cele din urma, am recunoscut emblematica epava de la Costinesti, care se regaseste si pe fundalul amintirilor mele de pe litoral.

Teodor Graur | Lucrari realizate anul acesta in Costinesti

Teodor Graur | Epava

La mare simt ca lucrurile se asaza la locul lor si, din acest motiv, o intalnire cu ea la Bucuresti, una mediata de arta, a fost mai mult decat binevenita. Sper sa repet experienta pana la inchiderea expozitiei.

Aerosoli
Vila Catena
str. Radu Calomfirescu nr.15, Bucuresti
Joi-Vineri, 15:00-19:00, Sambata, 12:00-16:00

Fotografii: Ioana Lovin (arhiva personala)

The post Aerosoli, o expozitie de arta inspirata de mare appeared first on Petocuri.

Pentru Stefan Caltia, trecutul este intotdeauna nou. Prezentul intens poetic are ingrediente tot noi: textura, parfumul, delicatetea-retorica blanda, simbolismul cald, umanismul ca practica. Liviana Dan

Nu stiu daca mai exista o alta ordine a cuvintelor care sa rezume viziunea artistului, fara a o trunchia, asa cum a reusit Liviana Dan in primul paragraf din textul curatorial dedicat expozitiei.

Stefan Caltia s-a nascut la Brasov, in 1942, si a studiat arta in Timisoara si Bucuresti. Din anii ‘70, lucrarile lui sunt prezentate in expozitii personale sau de grup, la noi in tara si in strainatate.

Trecut si prezent

Cele peste 100 de lucrari din expozitia de la Sibiu sunt grupate in jurul unor teme emblematice, explorate de artist de-a lungul timpului. Printre ele, se regasesc atat locurile indragite, precum satul transilvanean, cat si personajele aflate la intersectia dintre real si imaginar – clovnii, acrobatii sau ingerii, pestii, broastele, papagalii sau unicornii. Nu lipsesc nici motivele recurente, cum sunt zborul si calatoriile.

Am remarcat destul de recent picturile cu natura moarta, semnate de Stefan Caltia, dar, din acel moment, au urcat in topul preferintelor mele. Au o delicatete si un firesc cu care rezonez. Asa ca  sectiunea dedicata lor a fost o surpriza binevenita.

Percep picturile lui Stefan Caltia ca pe niste fragmente de amintiri, uneori, prezentate ca atare, alteori, trecute parca prin filtrul unui vis. De aici si sentimentul de nostalgie care ma incearca atunci cand le privesc.

De aceasta data, spatiul expozitiei a contribuit si el cu o doza de nostalgie. Sibiul e orasul meu natal, si, in acest loc cu holuri si incaperi cu tavane boltite, pereti grosi si ferestre mari, studiau odata elevii Liceului Pedagogic. Din acest motiv, afirmatia ca “trecutul este intotdeauna nou” a primit inca o semnificatie, una personala.

Asa ca nu e de mirare ca m-a impresionat dialogul creat intre lucrari si spatiu si faptul ca, in prezent, arta e cea care deschide oamenilor acest loc incarcat de o istorie de peste cinci secole, un loc pe care sper sa-l pot vizita odata si cand va fi complet restaurat.

Arta si arhitectura

Si pentru ca am vorbit despre restaurare, in podul Manastirii Ursulinelor, poate fi vazuta, in cadrul aceleiasi vizite, expozitia 10 ani. 100 de monumente salvate a initiativei Ambulanta pentru Monumente, cea care a sustinut, in primavara, lucrari de punere in siguranta si de inlocuire a invelitorilor din corpul central si din sala de sport a fostei scoli.

Desfasurarea in paralel a celor doua expozitii dezvolta dialogul dintre arta si locul in care aceasta este prezentata. De altfel, veniturile din biletele pentru expozitia artistului vor fi directionate catre Ambulanta pentru Monumente si proiectele ei viitoare.

Am realizat, abia dupa ce am revenit la Bucuresti, ca o selectie mai mica de lucrari realizate de Stefan Caltia sunt incluse si intr-o expozitie-capsula, gazduita in cabinetul de curiozitati din Galeria de Arta Europeana a Muzeului Brukenthal. Poate la urmatoarea vizita la Sibiu…

Arta si moda

Inchei cu inca o initiativa care mi-a imbogatit experienta, una care stabileste o punte intre arta si moda. Intr-o incapere aflata la finalul circuitului printre picturi este prezentat rezultatul unei colaborari dintre Ami Amalia si Stefan Caltia. Diverse motive din universul artistului, printre care pestele, florile sau clovnii, sunt transpuse pe piese vestimentare tricotate sau pe esarfe. Un demers prin care arta devine purtabila.

Fotografii: Ioana Lovin (arhiva personala)
Layout design: Canva

The post Transilvania | Extravaganza. Lucrarile lui Stefan Caltia, expuse la Sibiu. appeared first on Petocuri.

Am aflat despre acest parteneriat prin intermediul expozitiei “Dan Perjovschi x Comme des Garcons. A Story About A Collaboration”, care a fost gazduita, intre 23 si 30 mai 2026, la Entrace Store, in cadrul editiei Bucharest Design Festival.

People Power

Nucleul proiectului este reprezentat de piesele vestimentare cu desenele si jocurile de cuvinte ale lui Dan Perjovschi. Privite dintr-o perspectiva optimista, mesajele artistului descriu o lume in care puterea oamenilor sta in dragoste, imaginatie si speranta. O lume la care contribuim fiecare cu bucatica noastra, iar asta implica responsabilitate.

Totul a inceput cu un email, mentioneaza Dan Perjovschi in descrierea expozitiei.

Un email in care artistul a primit invitatia de a participa la proiectul pe care Comme des Garcons il dezvolta in fiecare an cu diversi artisti cu care rezoneaza. In ceea ce-l priveste pe Dan Perjovschi, Adrian Joffe, presedintele brandului japonez, infiintat in 1969 de Rei Kawakubo, sustine ca le-a atras atentia creativitatea, dar mai ales modul in care acesta reflecteaza asupra unor teme sociale si civice.

Artistul a acceptat invitatia si si-a dorit ca onorariul sau sa ajunga la asociatia Daruieste Viata, care a construit, din donatii si sponsorizari, un spital pentru copiii diagnosticati cu cancer si pe care a mai sustinut-o in trecut – el semneaza o parte dintre desenele si mesajele inscriptionate pe tricouri, sacose sau felicitari din campania de strangere de fonduri a asociatiei. Ca raspuns, Comme des Garcons a dublat suma.

Moda & arta, mereu interconectate

O dovada a faptului ca parteneriatul lor a decurs armonios de la un capat la celalalt este si aceasta expozitie de la Bucuresti. Pe langa noua colectie-capsula, aceasta a mai inclus o serie de articole din colaborari realizate anterior de brandul vestimentar japonez, cu artisti ca Andy Warhol, KAWS / Brien Donnelly, Futura / Leonard Hilton McGurr sau Yue Minjun. O selectie de parfumuri Comme des Garcons a acordat expozitiei si o dimensiune olfactiva, iar cele trei tinute prezentate in trecut pe podium au completat intregul concept, dezvoltat la intersectia dintre arta, moda si inovatie.

Fotografii: arhiva personala

The post Dan Perjovschi x Comme des Garcons. A Story About A Collaboration. appeared first on Petocuri.

Numele expozitiei transpune termenul RADICAL, chestionat, analizat si interpretat de-a lungul celei de-a patra editii RAD Art Fair, in spatiul care este (poate) cel mai important pentru fiecare dintre noi, cel in care locuim.

Am vrut sa ducem expozitia intr-o zona mai conceptuala sa vorbim, de fapt, despre locuire, despre cum alegem sa ne inconjuram de obiecte, de ce facem anumite alegeri si cum am putea sa mai zdruncinam un pic din radacini preconceptiile sau viziunea asta scriptata, pe care o preluam si care e profund culturala, asupra locuirii, spune  Ioana Chifu.

Adrian Kiss, Andrei Arion, Arthur Vandergucht, Brut Collective, Bogdan Ciocodeica, Clara Schweers, Heim +Viladrich, Jean-Baptiste Durand, LS Gomma, Laurids Gallee, Lucian Bran, Martin Laforet, Muromuro Studio, Nicolas Zanoni, Wendy Andreu & Bram Vanderbeke sunt cei care semneaza lucrarile pe care am avut ocazia sa le vad in cadrul unui preview, cu o zi inainte de inceperea RAD Art Fair.

Am reusit sa aducem 15 artisti/designeri internationali si din scena locala si sa construim o expozitie care vorbeste despre locuire si prin felul in care am abordat layoutul, pentru ca se simte ca acasa. Este un altfel de acasa. Piesele sunt foarte conceptuale, rup putin barierele in ceea ce priveste functiunea, materialitatea, tot ce e conventional la niste obiecte de design, pentru ca nu sunt simple obiecte de design, sunt obiecte de arta, adauga ea.

In expozitie, e usor de identificat spatiul de dining, cu o masa rotunda, inconjurata de scaune, o biblioteca, o sufragerie. Fiecare piesa e prezentata la intersectia dintre familiar si neobisnuit: un lampadar construit din lumini de masina, o masa modulara din piatra, o canapea care, din cauza formei, m-a dus cu gandul la marmura, insa ea e, de fapt, din mohair moale, o lucrare din piele matlasata, care, de la departare, mi-a creat impresia ca e modelata intr-un material dur. Toate au un impact vizual puternic, iar asta te face, ca privitor, sa iti doresti sa le analizezi mai indeaproape. Acasa devine, din spatiu privat, un spatiu efemer, deschis publicului.

Fotografii: Ioana Lovin, arhiva personala

The post Radical Domesticity. Expozitie de design, curatoriata de Muromuro Studio la RAD Art Fair 2026. appeared first on Petocuri.

Le prezint in continuare in ordinea in care le-am vazut:

„Departe de casa, la rascruce, langa muntele care intra in mare (acolo)” de la Galeria Posibila

Subiectul expozitiei a fost timpul, cu toata nostalgia care insoteste trecerea lui. De altfel, nostalgia era sugerata inca din titlu, prin acel departe de casa, in loc de acasa, prin acel la rascruce, in loc de in linie dreapta, prin acel acolo, in loc de aici. Pentru toti, copilaria e T0, locul de unde incepem si in care ne tot intoarcem. Indiferent de experientele adunate pe parcursul vietii, ea ramane primul nostru acasa.

Curatoriata de Anca Verona Mihulet, expozitia a prezentat impreuna opt artisti ai Galeriei Posibile, Alexandru Budes, Stefan Caltia, Oana Hodade, Nicu Ilfoveanu, Denise Lobont, Olivia Mihaltianu, Ghenadie Popescu, Miruna Radovici. Cartile postale, realizate de Oana Hodade, sunt cu fotografii dintr-o arhiva veche, gasita de ea intr-un targ de vechituri. Dintre ele, mi-a ramas cel mai clar in minte un cadru cu un copil in costum de Mos, langa bradul impodobit, probabil, in sufrageria casei parintesti. Instalatia video a lui Alexandru Budes prezenta locul unde a fost casa bonei din copilarie si unde artistul isi petrecea vacantele de vara, cu nelipsita asteptare de a se intoarce acasa pe fundal. Animatia lui Ghenadie Popescu reda povestea de viata a lui Vasile Vieru, deportat in anii ’40 cu mama si fratele mai mare. Cutiile luminoase cu fotografii, semnate de Olivia Mihalteanu, ilustrau obiecte personale. Acestea sunt doar cateva exemple care arata ca a vorbi despre timp coincide, de multe ori, cu a vorbi despre acasa.

„ACASA / HOME” de la Vila Catena

Picturile lui Nicolae Grigorescu si lucrarile unor artisti contemporani ca Alma Redingler, Anca Tintea, Lucian Pruna sau Marius Bercea impart acelasi spatiu, Vila Catena, pana pe 3 martie 2026. Impreuna compun o imagine plina de contraste despre ce inseamna acasa: de la rural, la urban, de la peisaje incarcate de amintiri, la fragmente din viata cotidiana, cum ar fi cafeaua de dimineata sau un colt al biroului la care lucram zi de zi, de la picturi, la fotografii, sculpturi sau instalatii.

Sunt de fapt doua expozitii sub acelasi acoperis. ACASA e dedicata exclusiv unor picturi semnate de Grigorescu, parte din Colectia AVARTE, iar HOME reuneste peste 30 de artisti, printre care si Grigorescu, intr-un proiect curatoriat de Maria Birsan si Alexandru Niculescu.

„If we lived here, we’d be home by now” de la Anca Poterasu Gallery

Lucrarile textile, picturile si instalatiile prezentate de Megan Dominescu la Anca Poterasu Gallery exploreaza ideea de acasa, din perspectiva personala si globala deopotriva. Nu doar situatiile din proximitate, ci si provocarile cu care se confrunta pamantul si societatea in care traim, de la schimbari climatice, la inegalitate de gen, gentrificare etc ne influenteaza vietile si felul in care ne simtim sau nu ne simtim acasa. If we’d live here, we’d be home by now.

O lucrare puternica atat vizual, cat si ca mesaj, e cea in care artista atinge tema cartierelor in care casele vechi sunt demolate si ilustreaza cum spiritele locului, ramase fara spatiul lor familiar, isi cauta alte constructii care sa le aminteasca de acasa si ajung astfel sa suprapopuleze magazinele Ikea.

Contrastele definesc arta lui Megan Dominescu. Ea deschide un dialog pe teme importante, care genereaza adesea dezbateri tensionate, doar ca o face intr-o maniera ghidata de optimism si speranta, de umor si autoironie, prin compozitiile alese, prin culorile lor vii si prin moliciunea si caldura firelor textile si a lanei impaslite. Expozitia poate fi vizitata pana pe 19 decembrie 2025.

Fotografii: arhiva personala

The post Acasa: perspective artistice appeared first on Petocuri.

Unul dintre ele este Design Kiosk, un proiect din programul Salone del Mobile.Milano, desfasurat intre 16 si 21 aprilie 2024. Gandit ca un loc de intalnire intre public si designeri consacrati sau aflati la inceput de drum, acesta a fost amplasat in Piazza della Scala. Chioscul a primit si rolul sau clasic, prin intermediul unei selectii de publicatii noi si carti second-hand pentru colectionari, ce a fost curatoriata de Corraini Edizioni. Designul chioscului este semnat de DWA-Design Studio si a fost conceput astfel incat sa poate fi dezasamblat si refolosit cu alte ocazii.

Design Kiosk, Piazza della Scala / Salone del Mobile.Milano 2024 / semnat de DWA-Design Studio si curatoriat de Corraini Edizioni
© Salone del Mobile.Milano

Design Kiosk, Piazza della Scala / Salone del Mobile.Milano 2024 / semnat de DWA-Design Studio si curatoriat de Corraini Edizioni
© Salone del Mobile.Milano

Design Kiosk, Piazza della Scala / Salone del Mobile.Milano 2024 / semnat de DWA-Design Studio si curatoriat de Corraini Edizioni
© Salone del Mobile.Milano

Imi place cand strazile devin spatii de expunere pentru arta sau design. In astfel de zile, orasul capata o energie aparte, iar oamenii se transforma, din trecatori, in spectatori. O simpla plimbare devine o experienta, uneori, chiar de neuitat. Acesta este unul dintre motivele care au contribuit la atentia pe care i-am acordat-o proiectului Design Kiosk. Lui i s-a alaturat, bineinteles, nostalgia.

E o nostalgie pe care am mai astamparat-o, tot vizual, si in septembrie 2023, prin intermediul fotografiilor realizate de Andreea Macri, in timpul Saptamanii Modei de la Londra. Atunci, chioscul Hermes, o interpretare calatoare a clasicelor chioscuri de ziare pariziene, a fost amplasat, pentru o perioada scurta de timp, la The Lawn, Strand Aldwych, iar vizitatorii puteau gasi la stand numarul recent al revistei Le Monde d’Hermes.

Chioscul Hermes / The Lawn / Foto: Andreea Macri

Chioscul Hermes / The Lawn / Foto: Andreea Macri

Chioscul Hermes / The Lawn / Foto: Andreea Macri

Al treilea exemplu este chioscul Vogue, amplasat, in aceeasi perioada si in cadrul aceluiasi eveniment de moda, doar ca nu pe strazile orasului, ci in interior. Mai exact, in magazinul londonez Selfridges. Revistele Vogue de pe standuri erau insotite de piese de imbracaminte si accesorii realizate pentru Vogue World: London, precum si de niste buchete de flori superbe.

Vogue World Newsagents / Selfridges / Foto: Andreea Macri

Vogue World Newsagents / Selfridges / Foto: Andreea Macri

Pe principiul „three is a trend”, ma astept sa intalesc si alte interpretari de chioscuri de ziare pe viitor. E foarte posibil sa existe deja si alte exemple de care nu am aflat sau, daca am aflat la un moment dat, sa nu imi vina in minte acum. Cele trei de care stiu imi evidentiaza cat de mult s-a schimbat viata, intr-un timp relativ scurt, dar si cat de reconfortant poate fi gandul ca exista mereu formule prin care ritualuri dragi, la care am renuntat, ocupa un nou loc – chiar daca unul efemer – in prezent.

The post Reinterpretari efemere ale clasicelor chioscuri de ziare appeared first on Petocuri.

Sursa foto: Hepta.ro

Aproximativ 400 de obiecte devin fragmente din istoria artei si a designului, unele dintre ele vechi de pana la 5000 de ani – potrivit casei de bijuterii Chaumet, cea care a organizat expozitia, cu sprijinul Beaux-Arts de Paris.

Piesele de bijuterie ale casei si speciile care le-au inspirat reprezinta punctul de pornire al curatorului, botanistul Marc Jeanson. Lor li se alatura o serie de lucrari realizate prin alte mijloace de expresie, de la picturi, sculpturi sau fotografii, la tapiserie, obiecte de design vestimentar sau de mobilier.

Sursa foto: Hepta.ro

Proiectul m-a dus cu gandul la conceptul de biofilie, care se refera la nevoia oamenilor de a fi in contact cu natura pentru a se simti bine. O traducere a cuvintelor grecesti care compun termenul ar fi: dragostea pentru tot ce e viu. Cand am citit despre acest subiect, unele trairi si obiceiuri din viata mea au capatat nume si explicatii concrete. Gandurile mi se descalcesc mai usor cand sunt in natura si imi place sa am plante in spatiul in care locuiesc. E mereu linistitor sa le privesc.

Sursa foto: Hepta.ro

Parem programati sa cautam natura intr-o forma sau alta si ne putem simti dezradacinati cand ne indepartam prea tare de ea. Astfel, nu e de mirare ca ea e o permanenta sursa de inspiratie, atat in arta, cat si in design. O bijuterie, o piesa vestimentara, o pictura devin un mod prin care ne inconjuram de ea si atunci cand suntem, de fapt, la distanta.

Sursa foto: Hepta.ro

Sursa foto: Hepta.ro

Trebuie sa fie interesant de urmarit cum a fost interpretata natura de-a lungul timpului, ce si cum s-a schimbat, ce si cum s-a pastrat, cu atat mai mult cu cat expozitia aduce la un loc lucrari diferite, din perioade diferite, precum si din diferite muzee si galerii.

Printre piesele imprumutate, se regasesc Primavara si Vara lui Giuseppe Arcimboldo, doua picturi ce pot fi vazute, de obicei, la Luvru. In contextul expozitiei, ele devin o descriere concisa a conexiunii dintre oameni si natura. Anotimpurile au chip de om, iar chipul lui e construit din plante – fructe, legume, flori in acord cu peisajele specifice fiecarui sezon.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by Chaumet (@chaumetofficial)

Daca ti-a starnit curiozitatea si tie, gasesti mai multe imagini din cadrul acestui proiect expozitional dedicat frumusetii naturii, pe contul de Instagram Chaumet.

Sursa fotografie principala: Hepta.ro

The post VEGETAL. Natura intr-o expozitie de arta si design de la Paris. appeared first on Petocuri.

*

Instalatia The Playground of Creativity, parte din expozitia Building The Future. Together (Instalatia prezinta un concept dezvoltat de Universitatea de Arta si Dsign din Cluj impreuna cu Scoala Superioara de Arta si Design din Saint-Etienne)

Combinatul Fondului Plastic este spatiul principal al editiei. Este si locul cu care mi-am inceput calatoria RDW10, din care notez aici un mesaj, un concept, un obiect, o stare. Sunt fragmente personale dintr-o poveste din ce in ce mai ampla, cum este cea a designului de la noi.

Un mesaj

„There is no beauty without truth and there is no truth without transparency.” („Nu exista frumusete fara adevar si nu exista adevar fara transparenta.”)

Imagine din cadrul expozitiei Zoom In: Sustainable Design

Am intalnit acest mesaj in cadrul Zoom In: Sustainable Design, o expozitie demarata de brandul local OTOTO, ca parte dintr-un program al sau, intitulat SLOW FORWARD. A MANIFESTO FOR A MINDFUL, SUSTAINABLE LIFESTYLE. Citatul este in prezentarea procesului de realizare a sneakersilor Flamingo’s Life, un proces menit sa aiba un impact cat mai mic asupra mediului si o grija cat mai mare fata de oamenii implicati in lantul de productie.

De la design la viata in general, mesajul isi pastreaza valabilitatea.

Un concept… un concept store

Imi plac magazinele gazduite in diverse spatii expozitionale, fie muzee, fie galerii permanente sau efemere. Din acest motiv, nu m-a surprins faptul ca mi-a placut concept store-ul de la RDW10, dar m-a surprins cat de mult mi-a placut. A devenit favoritul meu de la toate editiile la care am luat parte pana acum. El in sine reprezinta o expozitie ampla a designului autohton, una cu vanzare. Sunt prezente nume din mai multe discipline: de la moda si bijuterie la obiecte decorative si pana la ilustratie. Nu i-am numarat, dar organizatorii spun ca sunt prezenti peste 100 de artisti si designeri.

Un cadru surprins la intrarea in concept store

O fotografie realizata in zona Molecule F a concept-store-ului

Un obiect

Expozitia Valuable Objects prezinta colturi preferate dintr-un „acasa” imaginar, curatoriate de Adela Maria Marius, arhitecta de profesie si fondatoarea galeriei Epretext. Piesele descriu reinterpretarea ca pe un demers prin care obiectele (re)capata valoare.

In imagine, unul dintre colturile din cadrul expozitiei Valuable Objects: Capa realizata de Ami Amalia si Cosmin Florea / Lucrarea din ceramica  A Pile of Anxieties, realizata de Ana Botezatu / Scaune semnate Atelier Arboritm

Proiectul, unul dintre preferatele mele de la Combinatul Fondului Plastic, m-a determinat sa chestionez si ce face un obiect sa fie valoros si cum un simbol anume sau o amintire il poate transforma in ceva de nepretuit. E un sentiment pe care avem ocazia sa-l experimentam, in viata de zi cu zi, cu tot felul de lucruri care implica sau nu investitii financiare consistente si, daca ne intrebam unde traim cel mai des aceasta senzatie, raspunsul este, fara doar si poate, acasa. De aceasta data, e acel acasa real.

O stare

Cu atatea nume implicate si atatea proiecte dezvoltate, nu prea are cum sa se contureze o atmosfera altfel decat efervescenta. Mereu intampin evenimentul RDW cu multa curiozitate si asa s-a intamplat si acum. El nu ar fi posibil fara colaborare, e de la sine inteles, dar parca amprenta pe care o lasa aceasta abordare e mai puternica anul acesta ca niciodata pana acum.

Un cadru din expozitia de prezentare a colectiei Caltia ● Glavan

Am intalnit mai multe proiecte dezvoltate prin colaborare, adesea la zona de interferenta dintre arta si design. Capa fotografiata de mine in cadrul Valuable Objects poarta semnatura brandului de moda Ami Amalia si a artistului Cosmin Florea. Colectia-capsula Caltia ● Glavan, pe care am avut ocazia sa o revad la RDW10, imbina realismul magic din picturile artistului Stefan Caltia cu estetica designerului de pantofi Mihaela Glavan. Exemplele ar putea continua. De altfel, chiar steagul ONE.shirt de la intrare, un simbol pentru diversitate, libertate, echitate si solidaritate, prezinta si el o poveste despre colaborare.

Steagul ONE.shirt de la intrarea in Combinatul Fondului Plastic

Poate as fi considerat ca e o interpretare personala, cladita pe faptul ca sunt eu interesata, de obicei, de dialogul dintre doua sau mai multe viziuni distincte, dar nu e asa. Am intalnit colaborarea ulterior chiar in prezentarea evenimentului, ca unul dintre traseele spre viitorul designului, alaturi de inovatie, sustenabilitate si incluziune.

*

Proiectele gazduite la Combinatul Fondului Plastic reprezinta o parte din programul editiei Romanian Design Week din acest an. Exista zeci de alte evenimente-satelit, care contribuie la acea atmosfera efervescenta de care spuneam. Poti afla mai multe pe romaniandesignweek.ro.

Sursa foto: arhiva personala / In imaginea principala este un cadru din expozitia Building The Future. Together

The post RDW10. Un mesaj, un concept, un obiect, o stare. appeared first on Petocuri.

Imi atrag atentia cu usurinta colaborarile care exploreaza zona de interferenta dintre moda si arta. Mereu ma intriga unde se traseaza linia de dialog dintre doua lumi de multe ori atat de diferite, cel putin in aparenta. Cum cunosc atat activitatea Mihaelei Glavan, cat si pe cea a lui Stefan Caltia, am fost curioasa si cum se imbina realismul magic din picturile artistului cu estetica designerului, care pune in echilibru stilul deconstructivist si eleganta in care clasicul e reinterpretat.

„Personajele lui Stefan Caltia, fie ele cu picioarele pe pamant, ori plutind cu oasele goale, fac parte dintr-o specie numita de catre acesta Calatori. Asadar, poate ca nu este intamplatoare aceasta colaborare cu un designer care s-a remarcat in primul rand prin colectii destinate mersului.” Paragraful cu care incepe descrierea proiectului evidentiaza o prima punte de legatura intre cele doua universuri creative. De aici am inceput si eu calatoria.

Incaltamintea si accesoriile concepute de Mihaela Glavan imprumuta elemente din arta lui Caltia si le transforma in broderii sau aplicatii. Gleznele ghetelor sunt adesea brodate cu plante diverse, precum coada soricelului sau cicoare. La unul dintre modele, un melc sta in tihna pe o frunza arcuita. La alte ghete, broderia e inlocuita de elemente inedite, construite din piele. Astfel, sireturile lor au la capat flori albe, iar in partea din spate sunt atasate cateva pastai galbene. Balerinii cu varful ascutit sunt accesorizati cu niste sfere transparente, ce amintesc de picaturile de roua ale diminetii. Incaltamintea este una confortabila. Chiar si cea cu toc mentine calcaiul la o inaltime care sa nu ingreuneze pasii.

Nu lipseste nici semnatura formala a artistului Stefan Caltia: pestele. Aceasta este integrata in cel putin doua piese, o borseta ce poate fi purtata in mai multe feluri si o pereche de ghete cu talpa suprainaltata, un detaliu emblematic pentru designer, ornata cu o impletitura din iuta.

Mi-a placut nu doar designul colectiei, ci si designul spatiului de expozitie. Piesele erau asezate pe rafturile unor dulapuri din lemn masiv, deasupra carora se aflau manunchiuri de flori uscate. Exponatelor li s-au alaturat si cateva lucrari semnate de Stefan Caltia, astfel incat vizitatorii sa poata cauta elemente comune.

Experientele neasteptate, precum a fost cea de a descoperi picturi inramate pe spatele dulapurilor sau de a vedea pe rafturi si mici obiecte din viata de zi cu zi, mi-au creat senzatia de spatiu intim. A fost ca si cum m-as fi aflat acasa la cineva, dar in lipsa acelei persoane.

Colectia Caltia ● Glavan poate fi descoperita in intregime pe site-ul mihaelaglavan.ro.

Fotografii: arhiva personala

The post Caltia ● Glavan. Cum pasesti in realismul magic. appeared first on Petocuri.